Interview mit Saïd Hamich Benlarb:
Aber für ZWISCHEN UNS DAS MEER wollte ich mich mit der Flüchtigkeit des Gefühls des Exils auseinandersetzen. Der Versuch, den schwer fassbaren Aspekt des Exils einzufangen, schien mir nur durch die Romantik möglich. Ich wollte meine Figuren nicht auf ihre Identität als Migranten reduzieren, sondern ihre Unsicherheiten, Freundschaften, Liebesbeziehungen und Ansichten zeigen. (Presseheft)

›Across the Sea‹ begleitet seinen Hauptcharakter über rund zehn Jahre und zeichnet so das Bild einer ganzen Epoche. Dabei erzählt der Film unglaublich facettenreich von Liebe und Lust in all ihren Formen sowie von der ungeheuren persönlichen Last der Migration. Für Nour wird sie gar zur existenziellen Bedrohung. Doch am Ende bleibt uns die Hoffnung, dass die Liebe ihn zu retten vermag. Ein Film von großer Menschlichkeit. Publikumspreis 2024, Internationales Filmfestival Mannheim-Heidelberg 2024

Der auf Französisch, Englisch, Deutsch und Wolof gedrehte Film erweist sich als vielschichtige Reflexion über Kunst und Moral, Rassismus und Postkolonialismus, Machtstrukturen und Identität. Das zeigt sich nicht zuletzt am raffinierten Spiel mit Figurenkonstellationen und Bedeutungsverschiebungen. So ist Jason auf der Filmebene ein Täter, weil er Medea verstößt, sein Darsteller Nourou wird dagegen auf der Metaebene zum Opfer, als er in Berlin gleich zwei Mal von Wachpersonal gestoppt wird. Im Gegenzug wird Maja im Film ein Opfer der Verbannung, während sie sich in Berlin zu Gunsten von Nourou als „Weiße Retterin“ aufspielt. (Reinhard Kleber, www.kino-zeit.de)

Nun reflektiert Köhler also in doppelter Weise sein eigenes filmisches Schaffen, stellt Fragen über das Verhältnissen von Menschen, deutet an, wie schwer es ist, Vorwürfen für ein vorgeblich unbedachtes künstlerischen Tun zu entgehen, so sehr man sich auch bemüht. Wie stets in seinen Filmen, bedient sich Köhler Ellipsen und Leerstellen, deutet mehr an, als auf den Punkt zu bringen, lässt Raum und Luft, verzichtet dadurch aber auch auf eine Zuspitzung, die manchmal gut tun würde. Ein kluger Film ist „Gavagai“ geworden, stellt interessante, relevante Fragen, bleibt aber auch etwas zurückhaltend, akademisch und kontrolliert. (Michael Meyns, www.programmkino.de)

Interview mit Julia Ducournau über »Alpha« in Epd Film
„Wir leben in einem Zustand permanenter Erschütterung. Jeden Tag neue Katastrophen, neue Kriege, neue Krisen. Um weiterleben zu können, verdrängen wir vieles davon. Aber wenn Angst und Trauer dauerhaft unterdrückt werden, geben wir sie an die nächste Generation weiter. Ich bin deshalb in meinen Film zurückgegangen zu dem Moment in meinem Leben, in dem ich das erste Mal das Gefühl hatte, in einer Welt aufzuwachsen, in der überall Menschen sterben und jeder ersetzbar ist. Dieses Gefühl von Isolation erkenne ich heute wieder.“ (www.epd-film.de)

Während Ducournaus frühere Filme eine monströse Weiblichkeit entwarfen, die den patriarchalen Status quo herausfordert, richtet »Alpha« den Blick auf Weiblichkeitsbilder, die mit radikaler Selbstaufopferung verbunden sind. Auch wenn Alpha keine Kannibalin oder Serienmörderin ist wie die Hauptfiguren in »Raw« und »Titane«, fordert sie dennoch auf ihre eigene Art den Status quo heraus – und hinterfragt das Verhalten ihrer Mutter. Ob sie damit Erfolg hat, lässt der Film in einem betörend wie verstörend schönen Schlussbild offen. (Ipke Cornils, www.epd-film.de)

In vielerlei Hinsicht mutet „Alpha“ konventioneller an als Ducournaus erste beiden Filme „Raw“ und „Titane“, die auf den ersten Blick radikaler wirkten, bisweilen ihre Lust an der Provokation ausstellten. „Alpha“ dagegen wirkt reifer, bewusster, verliert sich nicht mehr in betont transgressiven Momenten, sondern beschreibt auf emotionale und besonders in der zweiten Hälfte mitreißende Weise, wie drei Menschen herauszufinden wollen, wann und ob es sich zu Leben lohnt. Ein überraschendes, hartes, berührendes Drama über die Folgen einer Epidemie auf eine Familie (Michael Meyns, www.programmkino.de)

László Nemes, berühmt für das radikal subjektive Holocaust-Drama „Son of Saul", erzählt erneut von einem Leben als Produkt der Weltkriegsgeschichte. Diesmal ist alles auf den Blick des Jungen verengt: gedreht auf 35 mm, in engen, subjektiven Bildern, die wie vergilbte Postkarten wirken. Das jüdische Erbe bleibt ein Makel, die Gesellschaft ein Minenfeld. … Mit formaler Strenge und bedrückender Intensität reiht sich Nemes in die Tradition des ungarischen Modernismus – von Jancsó bis Tarr – ein. Ein Film über Schuld und Schweigen und den Horror der Abstammung. (www.14films.de)

Es ist eine Geschichte von großer, klangvoll widerhallender Traurigkeit, offenbar verwurzelt in der eigenen Familiengeschichte des Regisseurs. Doch wie von Nemes und Co-Autorin Clara Royer erzählt, ist er ungleichmäßig getaktet und merkwürdig wenig fesselnd – die meisten seiner entscheidenden Erzählerkarten werden weniger als zur Hälfte enthüllt und läuft danach mehr oder weniger auf der Stelle– mit einer kraftvollen, aber erstickenden Wirkung. (Guy Lodge, wwwvariety.com)

Für die Mankos im erzählerischen Bereich entschädigen die Bilder. Die Aufnahmen von Kameramann Mátyás Erdély im strengen 4:3-Format sind in trist-nostalgischen Sepiatönen gehalten und zeichnen stimmungsvoll das Bild einer von Armut und Angst geprägten Gesellschaft in der Nachkriegszeit. Gerade die letzte Einstellung des Filmes ist von grandioser Schönheit - einer Schönheit, die im krassen Widerspruch steht zum Schrecken, die das kommunistische Regime in den 1950er-Jahren über das Land gebracht hat. (Simon Eberhard, www.outnow.ch)

Der von Elio Germano meisterhaft gespielte Berlinguer beeindruckt noch heute durch seine politische Weitsicht und seine persönliche Opferbereitschaft. Ergänzt mit eindrucksvollen Archivbildern überzeugt der Film von Andrea Segre nicht nur als berührendes Drama des Kampfes eines Mannes für eine gerechtere Gesellschaft, sondern auch als großartiges Porträt einer von Hoffnungen und Enttäuschungen geprägten Epoche. Ein filmisches Monument der Solidarität und Menschlichkeit, das uns als Utopie hoffentlich noch lange erhalten bleibt. Hanspeter Stalder (www.der-andere-fim.ch) 

Der Film war 2024 einer der zehn bestbesuchten Filme Italiens und nominiert für zahlreiche Preise, wobei Hauptdarsteller Elio Germano den Preis als bester Darsteller des Filmfestivals Rom und des David di Donatello Awards erhielt. Regisseur Andrea Segre sagt, sein Film habe viel Zuspruch bei einem jüngeren Publikum, da Berlinguers Weg einer demokratischen Linken Rezepte für heute bieten könne. (wikipedia.de)

Jurybegründung, One Future Preis: „Bei der Rekonstruktion des Einzelfalls blicken die Regisseure hinter die Kulissen der Jagd nach den Aufmerksamkeitsdrogen Auflage, Likes und Klicks. Sie benennen Strukturen und lassen sich selbst bei der Arbeit in die Karten schauen." (Biberacher Filmfestspiele, www.erecbrehmer.com)

Ein Großteil seines Privatarchivs, bestehend aus (beruflichen wie privaten) Filmdokumenten sowie Fotos, ging an seinen guten Freund Roland Berger. Glücklicherweise stellte der österreichische Regisseur, der in „Born to Fake“ als einer der wichtigsten Befragten auftritt, den Doku-Machern Erec Brehmer und Benjamin Rost diesen Archivschatz zur Verfügung. Die Aufnahmen offenbaren unter anderem, wie Born vorging und seine Beiträge entstanden.
Bis heute ist es kaum vorstellbar, dass die dilettantisch umgesetzten und mit Borns Freunden realisierten Beiträge von den Redaktionen gekauft und schließlich einem Millionenpublikum präsentiert wurden. Allein die bizarren Themen hätten den Verdacht der TV-Journalisten erregen müssen. (Björn Schneider, www.programmkino.de)