Der von Elio Germano meisterhaft gespielte Berlinguer beeindruckt noch heute durch seine politische Weitsicht und seine persönliche Opferbereitschaft. Ergänzt mit eindrucksvollen Archivbildern überzeugt der Film von Andrea Segre nicht nur als berührendes Drama des Kampfes eines Mannes für eine gerechtere Gesellschaft, sondern auch als großartiges Porträt einer von Hoffnungen und Enttäuschungen geprägten Epoche. Ein filmisches Monument der Solidarität und Menschlichkeit, das uns als Utopie hoffentlich noch lange erhalten bleibt. Hanspeter Stalder (www.der-andere-fim.ch) 

Der Film war 2024 einer der zehn bestbesuchten Filme Italiens und nominiert für zahlreiche Preise, wobei Hauptdarsteller Elio Germano den Preis als bester Darsteller des Filmfestivals Rom und des David di Donatello Awards erhielt. Regisseur Andrea Segre sagt, sein Film habe viel Zuspruch bei einem jüngeren Publikum, da Berlinguers Weg einer demokratischen Linken Rezepte für heute bieten könne. (wikipedia.de)

Jurybegründung, One Future Preis: „Bei der Rekonstruktion des Einzelfalls blicken die Regisseure hinter die Kulissen der Jagd nach den Aufmerksamkeitsdrogen Auflage, Likes und Klicks. Sie benennen Strukturen und lassen sich selbst bei der Arbeit in die Karten schauen." (Biberacher Filmfestspiele, www.erecbrehmer.com)

Ein Großteil seines Privatarchivs, bestehend aus (beruflichen wie privaten) Filmdokumenten sowie Fotos, ging an seinen guten Freund Roland Berger. Glücklicherweise stellte der österreichische Regisseur, der in „Born to Fake“ als einer der wichtigsten Befragten auftritt, den Doku-Machern Erec Brehmer und Benjamin Rost diesen Archivschatz zur Verfügung. Die Aufnahmen offenbaren unter anderem, wie Born vorging und seine Beiträge entstanden.
Bis heute ist es kaum vorstellbar, dass die dilettantisch umgesetzten und mit Borns Freunden realisierten Beiträge von den Redaktionen gekauft und schließlich einem Millionenpublikum präsentiert wurden. Allein die bizarren Themen hätten den Verdacht der TV-Journalisten erregen müssen. (Björn Schneider, www.programmkino.de)

Angela Schanelecs asketischer Filmstil – lange statische Einstellungen, ungewöhnliche Bildkomposition, seltene, aber dramatische Nahaufnahmen – hat sich in einer Filmkultur, die minimalistische Erzähltechniken seit Langem prägt, behauptet. Das liegt zum Teil daran, dass ihre Filme reich an Bildern sind, die sich einfachen metaphorischen Deutungen entziehen. „Meine Frau weint“ bildet da keine Ausnahme. Der Film beginnt als scheinbar einfache Geschichte über Untreue, bevor er sich mit noch beunruhigenderen Themen auseinandersetzt und seine Figuren in eine Reihe einprägsamer Tableaus versetzt. (Zach Lewis, www.slantmagazine.com)

Genau das ist anders als in den bisherigen Schanelec-Filmen: Diesmal dominiert der Dialog. Zwar gibt es immer noch die meditativen Zwischenschnitte etwa auf Rote Johannisbeeren, die unter einem Wasserhahn gewaschen werden. Menschen fahren auf dem Fahrrad über Wege, die in ihrer atmosphärischen Realität fast überhöht wirken. Es gibt auch eine Tanzszene, in denen drei Figuren zu Leonard Cohens „Lover, Lover, Lover“ eine erstaunlich ausgefeilte, mitreißende Choreografie präsentieren.
Aber im Wesentlichen besteht „Meine Frau weint“ aus einem Reigen von „Sprechakten“, denen Schanelec den Anschein lässt, vom Papier zu stammen, selbst wenn sie umgangssprachlich gehalten sind. So kommt eine faszinierende Mischung aus Natürlichkeit und Künstlichkeit zustande, die einmal mehr dort Spannung erzeugt, wo man sie gar nicht vermutet hätte. (Barbara Schweizerhof, www.taz.de)