… das Spiel mit Genremustern macht aus einem klassisch sozialrealistischen Film etwas Ungewöhnliches: Den Versuch zu ergründen, wie die Strukturen von Migration und Ausbeutung sich physisch auf einen Menschen auswirken. Ein bemerkenswerter Debütfilm, dem man nicht zuletzt deswegen viele Zuschauer wünscht, weil er einen anderen Blick auf das allgegenwärtige Thema Migration wirft und zeigt, dass nicht nur der reiche Westen einen Fluchtort darstellt. (Michael Meyns, www.programmkino.de)

Das bildstarke Drama lässt sich viel Zeit, die es nicht immer ganz füllt, und wird der Komplexität seiner Protagonistin, die distanziert und irgendwie fremd bleibt, nicht ganz gerecht. Thematisch schöpft Mustafa bei Sozialdrama, Gangsterfilm und Bodyhorror aus dem Vollen, ohne die eigensinnige, fast hypnotische Erzählung zu durchbrechen, die dieses Debüt eindringlich macht. (Clarissa Lempp, www.indiekino.de)

Kaum ein Genrezugang hat das Weltkino zuletzt so befruchtet wie der Bodyhorror. … „Aisha Can’t Fly Away" des ägyptischen Regisseurs Morad Mostafa ist ein weiterer Beweis: ein Film, der aus dem Sozialdrama heraus eine politisch-poetische Metamorphose anstößt. … 
Mostafa erzählt dies zunächst mit der Strenge eines Milieudramas. Doch in Aishas innerem Kampf tauchen surreale Bilder auf: eine Straußenfigur, die zwischen Fluchtfantasie und Verwandlung oszilliert, schließlich eine Metamorphose, die den Körper zum Schlachtfeld der Gewalt und zugleich zum Ort der Befreiung macht. Politisches und Intimes verschmelzen, Aishas Körper wird zum Terrain von Unterdrückung und Selbstbehauptung. Mit seiner Weltpremiere in Cannes („Un Certain Regard") zeigte „Aisha Can’t Fly Away", wo das Weltkino derzeit am radikalsten und aufregendsten spricht.
(www.14films.de)

Selbst in angeblich aufgeklärten Gesellschaften hält sich die Ansicht, dass die Identität einer Frau als Mutter alle ihre anderen Identitäten überlagern muss. Nicht nur das: Jede Frau, die nicht bereit ist, alles in ihrem Leben für die Liebe ihres Kindes zu opfern, ist eine Abweichung und das ultimative Tabu: eine schlechte Mutter. Anna Cazenave Cambets weitreichendes, bewegendes Drama „Love Me Tender", basierend auf dem halbautobiografischen Roman von Constance Debré, zielt auf diese allgegenwärtige Ideologie der Heuchelei und der unerreichbar hohen Erwartungen und trifft vor allem dank einer fesselnd strahlenden Vicky Krieps mit schmerzlicher Genauigkeit. (Jessica Kiang, www.variety.com)

Interview mit Saïd Hamich Benlarb:
Aber für ZWISCHEN UNS DAS MEER wollte ich mich mit der Flüchtigkeit des Gefühls des Exils auseinandersetzen. Der Versuch, den schwer fassbaren Aspekt des Exils einzufangen, schien mir nur durch die Romantik möglich. Ich wollte meine Figuren nicht auf ihre Identität als Migranten reduzieren, sondern ihre Unsicherheiten, Freundschaften, Liebesbeziehungen und Ansichten zeigen. (Presseheft)

›Across the Sea‹ begleitet seinen Hauptcharakter über rund zehn Jahre und zeichnet so das Bild einer ganzen Epoche. Dabei erzählt der Film unglaublich facettenreich von Liebe und Lust in all ihren Formen sowie von der ungeheuren persönlichen Last der Migration. Für Nour wird sie gar zur existenziellen Bedrohung. Doch am Ende bleibt uns die Hoffnung, dass die Liebe ihn zu retten vermag. Ein Film von großer Menschlichkeit. Publikumspreis 2024, Internationales Filmfestival Mannheim-Heidelberg 2024

Der auf Französisch, Englisch, Deutsch und Wolof gedrehte Film erweist sich als vielschichtige Reflexion über Kunst und Moral, Rassismus und Postkolonialismus, Machtstrukturen und Identität. Das zeigt sich nicht zuletzt am raffinierten Spiel mit Figurenkonstellationen und Bedeutungsverschiebungen. So ist Jason auf der Filmebene ein Täter, weil er Medea verstößt, sein Darsteller Nourou wird dagegen auf der Metaebene zum Opfer, als er in Berlin gleich zwei Mal von Wachpersonal gestoppt wird. Im Gegenzug wird Maja im Film ein Opfer der Verbannung, während sie sich in Berlin zu Gunsten von Nourou als „Weiße Retterin“ aufspielt. (Reinhard Kleber, www.kino-zeit.de)

Nun reflektiert Köhler also in doppelter Weise sein eigenes filmisches Schaffen, stellt Fragen über das Verhältnissen von Menschen, deutet an, wie schwer es ist, Vorwürfen für ein vorgeblich unbedachtes künstlerischen Tun zu entgehen, so sehr man sich auch bemüht. Wie stets in seinen Filmen, bedient sich Köhler Ellipsen und Leerstellen, deutet mehr an, als auf den Punkt zu bringen, lässt Raum und Luft, verzichtet dadurch aber auch auf eine Zuspitzung, die manchmal gut tun würde. Ein kluger Film ist „Gavagai“ geworden, stellt interessante, relevante Fragen, bleibt aber auch etwas zurückhaltend, akademisch und kontrolliert. (Michael Meyns, www.programmkino.de)