Als eines Morgens die Leiche einer jungen Frau an einem Weinberg gefunden wird, ist die Ratlosigkeit zunächst groß. Wer war diese Person? Was hat sie zu diesem Schicksal gebracht? Inspiriert von einem echten Zeitungsartikel versucht Kult-Regisseurin Agnès Varda, die mögliche Geschichte der jungen Frau in Rückblenden und fiktiven Interviews zusammen zu puzzeln. Mona wollte ein selbstbestimmtes, freies Leben führen, ohne Dach über dem Kopf, mit der Straße und dem eigenen Herzen als Wegweiser. Darum ist es auch ganz allein ihr Wille zur Tat, als sie sich gegen Wohlstand, einen gesicherten Schlafplatz und die Eintönigkeit eines „normalen Lebens“ entscheidet – und mit nur wenigen Habseligkeiten loszieht. Im winterlichen Südfrankreich streicht Mona als Vagabundin durch die Gegend und ist der rauen Landschaft, den Menschen denen sie begegnet, und sich selbst beinahe schutzlos ausgeliefert. 
Ihrem eigenen Stil treu bleibend führte Agnès Varda bei diesem Film nicht nur Regie, sondern war auch für den Schnitt und das Drehbuch verantwortlich. Letzteres entstand oftmals erst während der Dreharbeiten. „Vogelfrei“ wurde 1985 in Venedig mit dem Goldenen Löwen als Bester Film der Festspiele ausgezeichnet.

Drei Männer landen - unabhängig voneinander - in einer Gefängniszelle in New Orleans: Zack, ein arbeitsloser DJ, sitzt unschuldig wegen Mordes. Zuhälter Jack wurde von einem seiner Kumpel hereingelegt. Und Roberto, der italienische Immigrant, hat beim Billardspielen versehentlich jemanden mit einer Kugel umgebracht. Zack und Jack hassen sich auf Anhieb. Nur in einem sind sie sich einig: Sie können Roberto nicht ausstehen. Dessen naiver Optimismus und sein unterunterbrochenes Gerede in furchtbarem Englisch bringen sie aus der Ruhe. Doch gerade Roberto ist es, der per Zufall eine Fluchtmöglichkeit entdeckt. Da zögern Jack und Zack keine Sekunde und brechen zusammen mit ihm aus. Das Trio flieht in die Sümpfe von Louisiana, dicht gefolgt vom Sheriff mit seinem Suchtrupp.

Dass die menschengemachte Klimakrise eine der größten Gefahren für die Menschheit und unseren Planeten darstellt, ist in der Wissenschaft längst belegt, trotzdem ändert sich in der globalen Umweltpolitik kaum etwas. Besonders hart trifft dies die jüngsten Generationen, die sich mit einer Zukunft auf einem womöglich unbewohnbaren Planeten und der Tatenlosigkeit der Politik diesbezüglich konfrontiert sehen. Irja von Bernstorff begleitet in ihrem Dokumentarfilm vier Mädchen zwischen 11 und 14 Jahren, die sich auf besondere und inspirierende Art und Weise in ihren Ländern gegen die Klimakrise engagieren. Fatou setzt sich in ihrem Heimatland Senegal gegen die enorme Wasserknappheit ein, während Sabyah sich gegen die Zerstörung der Korallenriffe vor der australischen Küste stark macht. In Indonesien kämpft Nina gegen die Plastik- und Müllberge, die in ganz Südostasien mittlerweile Realität sind und Gagan leistet Widerstand gegen die industrielle Landwirtschaft, die den Boden und die Luft im indischen Punjab zerstört.

Los Angeles 1937: Für Privatdetektiv Jake J. Gittes ist es Routine, als ihn Evelyn Mulwray bittet, ihren Mann zu beschatten. Hollis I. Mulwray, Chefingenieur der Wasserwerke, scheint fremd zu gehen. Tatsächlich gelingt es Gittes, ihn mit einer Blondine zu erwischen. Als die echte Evelyn Mulwray ihn wütend im Büro aufsucht, wird Gittes klar, dass er den Auftrag von einer Betrügerin bekam. Kurz darauf wird Hollis Mulwrays Leiche aus einem Trinkwasserkanal geborgen. Niemand stellt weitere Nachforschungen an - außer Gittes, der nicht an einen Unfall glaubt. Mulwray hatte herausgefunden, dass jede Nacht große Mengen des knappen Trinkwassers für L.A. ins Meer geleitet wurden, um aus dem Mangel noch mehr Profit zu schlagen. Zug um Zug enthüllt Gittes die Machenschaften eines geld- und machtgierigen, skrupellosen Mannes, dem eine ganze Stadt auf Gedeih und Verderb ausgeliefert ist.
Roman Polanskis spannender Detektivfilm gehört zu den Klassikern des Genres. Nach „Rosemaries Baby" (1967) war es der zweite Film, den Roman Polanski in Hollywood drehte. „In „Chinatown" kam es endlich zur lang geplanten Zusammenarbeit von Polanski und Jack Nicholson, der die Rolle des verbohrt nach der Wahrheit suchenden Detektivs in all seiner stoischen Hartnäckigkeit perfekt verkörpert und damit endgültig zum Star wurde.“ (3sat.de).

„In »Chinatown« spielen zwei unterschiedliche Charaktere, die um ihre eigene Freiheit ringen. Zum einen Jake Gittes, gespielt von Jack Nicholson, der als Detektiv sich seine Unabhängigkeit bewahrt hat und lieber den Mund auf macht und sich Feinde schafft, statt mit dem Strom zu schwimmen. Er arbeitet zwar in einem Team, ist aber der geborene Einzelgänger oder zumindest zu einem solchen geworden, was wir nicht wissen, da wir trotz Anspielungen – ein klassischer Noir eben – nichts über die Vergangenheit unseres Helden erfahren. Zum anderen haben wir Evelyn Cross Mulwray, gespielt von Faye Dunaway auf dem Höhepunkt Ihrer Kunst (auch wenn sie erst zwei Jahre später für »Network« den Oscar bekam). Sie ist eine stolze, aber natürlich auch geheimnisvolle Frau, die versucht sich aus den Fängen ihres übermächtigen Vaters Noah Cross (gespielt von John Huston) zu befreien … „Chinatown“ ist vermutlich der Film, den ich in meinem Leben am häufigsten gesehen habe. Aber das liegt natürlich nicht nur an seinen Hauptcharakteren, sondern auch am großartigen Drehbuch von Robert Towne, der Regie von Roman Polański, am Setdesign, der Musik und den vielen Anspielungen in der Story. (Axel Stiehler, Logbuchladen, über „Chinatown“ von Roman Polanski)

Der Tischler Daniel Blake ist ein Durchschnittsengländer, der das Leben so nimmt, wie es kommt und sich mit Anstand durchschlägt. Sein ganzes Leben lang hat er Steuern gezahlt. Doch dann bringt ihn eine Krankheit in die Bredouille und er ist plötzlich auf staatliche Hilfe angewiesen. Aber der Staat will sie ihm nicht gewähren und schon bald findet er sich in einem bürokratischen Teufelskreis aus Zuständigkeiten und Anträgen wieder. Als er eines Tages auf dem Amt die alleinerziehende Mutter Katie und ihre Kinder Daisy und Dylan kennen-lernt, beschließen sie, gemeinsam den Behörden zu trotzen. Die bürokratischen Hindernisse des Sozialstaa-tes sind hoch. Doch trotz des Gefühls von wütender Ohnmacht sind Daniel und Katie fest entschlossen, sich nicht unterkriegen zu lassen.
Ausgezeichnet mit der Goldenen Palme als bester Film auf dem Filmfest in Cannes.

Kebire Yildiz, geboren in einem ostanatolischen Dorf, hat studiert und sich sowohl in der Türkei als auch in Deutschland vielfältig engagiert, vor allem in der Arbeit mit Geflüchteten. Von 2016 bis 2019 war sie Mitglied der Bremischen Bürgerschaft.
„Trotz aller negativen Bedingungen, Hindernisse und Ausgrenzung, trotz Traumata, Folter, Gewalt, lebenslanger Diskriminierung und Armut konnte Kebire ihr Leben mit positiver Energie füllen und mit anderen Menschen auf Augenhöhe und in Solidarität interagieren. Menschen, die am Rande dieser Gesellschaft leben, arm oder obdachlos, Frauen aus verschiedenen Ländern, Kulturen, Religionen. Ihnen bietet sie ein Gesicht, Respekt, eine Perspektive." (Regisseur Mustafa Diyar Demirsoy). Der Film läuft als internationale Vorpremiere.

Wäre da nicht sein Freund, der glücklose Schauspieler Henry, hätte der arbeitsscheue Martin seinen 25. Geburtstag wohl im Bett verbracht. Während er ziellos durch Schwabing treibt, lernt er die eigenwillige Barbara kennen. Die wirbelt sein lahmes Leben fröhlich durcheinander, doch trotz der schönen Zeit mit ihr ist Martin überzeugt: „Es wird böse enden.“ 1968 war der Film ein Erfolg an den Kinokassen.
Mit 26 Jahren präsentierte May Spils als erste deutsche Regisseurin der Nachkriegsgeneration dem Publikum 1968 eine Komödie, die frech den Zeitgeist traf und zum Kultfilm wurde.

Tahiti 1983: US-Backpackerin Tami aus San Diego lässt sie sich durch die Welt treiben, wechselt von einem Ort und Job zum nächsten. Was als nächstes passieren wird, überlässt sie dem Schicksal, und das führt sie zu Richard, einem britischen Profi-Segler. Ein Traummann auf einer Trauminsel, alles ist perfekt. Bald hat das junge Paar auch einen lukrativen Auftrag an Land gezogen. Sie sollen die Luxusjacht eines Ehepaares von Tahiti nach San Diego überführen. Glücklich starten sie ins Abenteuer, doch unerwartet trifft sie 2000 Seemeilen vom Festland entfernt ein gewaltiger Hurrikan. Das Boot ist nur noch ein Wrack, Richard lebensgefährlich verletzt und Tami hat keinerlei Segelerfahrung.
„Die Farbe des Horizonts" beruht auf wahren Ereignissen, die Tami Oldham Ashcraft über ihren 41 Tage währenden Schiffbruch im Buch „Red Sky in Mourning: A True Story of Love, Loss and Survival at Sea" schrieb.

In der Einöde Oklahomas: Ein erfolgreicher, dem Alkohol verfallener Schriftsteller nimmt sich das Leben. Ehefrau Violet, schwer an Krebs erkrankt, bleibt verbittert zurück. Zur Beerdigung reist die Familie an: die drei Töchter Ivy, Barbara und Karen und deren Männer sowie Violets Schwester Mattie mit Ehemann Charles und dem erwachsenen Sohn Little Charles. Statt gemeinsam zu trauern und sich tröstend beizustehen, wird das Familientreffen zum Kriegsschauplatz, als Krisen, Lebenslügen und offene Rechnungen auf den Tisch gepackt werden.
Das furiose Familiendrama nach dem preisgekrönten Theaterstück von Tracy Letts, der auch das Drehbuch für den Film schrieb, seziert mit messerscharf formulierten Dialogen den Abgrund aus Boshaftigkeit, Misanthropie und Inzest in dieser Familie.

Kristin Dibelius kann nicht begreifen, warum sich ihr Sohn David seit zwei Jahren in seinem Zimmer einschließt. All ihre Bemühungen, zu ihm durchzudringen, sind gescheitert. Das Leben in der Dreizimmerwohnung ist zu einem gespenstischen Nebeneinander geworden, dessen Routine jäh erschüttert wird, als Kristin unerwartet ihre Stelle in der Bank verliert. Entschlossen macht sich die alleinerziehende Mutter nun daran, die Motive für Davids Verhalten zu ergründen. Zufällig erfährt sie von einer Freundin ihres Sohnes, dass er in einem Internetforum für Drachenbau aktiv ist. Kristin nimmt Kontakt zu David auf – inkognito. Nach einigem Zögern fasst David Vertrauen zu ihr. Euphorisch vor Glück übersieht Kristin, die mittlerweile fast alle sozialen Kontakte gekappt hat, um mit David zu chatten, dass ihr Sohn beginnt, sich in sie zu verlieben.
Mit „Goliath96“ gibt Regisseur Marcus Richardt, der mit Thomas Grabowsky auch das Drehuch geschrieben hat, sein Regiedebüt: „Goliath96 erzählt von Menschen, die verlernt haben, miteinander zu reden. Den Widerspruch zwischen permanenter Verfügbarkeit durch Kommunikation und gleichzeitiger Vereinsamung und Individualisierung finde ich spannend und erschreckend zugleich“, so der Regisseur.

Markus ist Ende Dreißig, glücklich mit Monika verheiratet und Vater eines Sohnes, beruflich erfolgreich und finanziell abgesichert. Eigentlich alles ganz wunderbar, möchte man meinen. Doch zu seinen Geschwistern und Eltern hat Markus ein seltsam distanziertes Verhältnis. So richtig scheint niemand zu wissen warum. Auf einer Familienfeier wird Markus durch eine Situation mit seinem jungen Sohn plötzlich von heftigen Gefühlsregungen heimgesucht. Markus Welt gerät gänzlich aus den Fugen, als verdrängte Kindheitserinnerungen an den sexuellen Missbrauch durch seine Mutter hochkommen. Geschockt und von Trauma überwältigt, versucht Markus, seine Familie zu konfrontieren, doch die reagiert abwehrend. Die Eltern wollen nichts davon wissen, die Vergangenheit soll ruhen.

Brasilien, in den 1970ern: Zwei ungleiche Männer sind gezwungen, sich eine Gefängniszelle zu teilen. Der linksradikale Journalist Valentin Arregui landete als politischer Gefangener hinter Gittern. Der homosexuelle Luis Molina wurde des Kindesmissbrauchs beschuldigt und soll nun, von der Polizei angestiftet, Valentin Informationen über seine Aktivitäten entlocken. Um dem elenden Alltag in der Zelle zu entfliehen, fantasiert Louis Fortsetzungsgeschichten, Liebesmelodramen voller Sehnsucht und Leidenschaft und erzählt sie Valentin, der gar nichts damit anfangen kann. Doch als die beiden miteinander ins Gespräch kommen, entwickelt Louis Gefühle für seinen Mitinsassen und ändert stillschweigend seinen Plan.
Die Geschichte des Films basiert auf dem Roman von Manuel Puig aus dem Jahr 1976. Regisseur Héctor Babencos Adaption wurde im brasilianischen São Paulo gedreht und mehrfach ausgezeichnet. Unter anderem gewann William Hurt den Oscar als Bester Hauptdarsteller.

250 Kinder und Jugendliche tanzen zu Strawinskys Le Sacre du Printemps in einer alten Halle im Industriehafen Berlins. Das Projekt der Berliner Philharmoniker holte im Jahr 2003 Kinder aus den sozialen Brennpunkten, damit sie die Kraft klassischer Musik und gemeinsamer Bewegung erfahren können. Dabei ist Marie, die damit hadert, ihren Hauptschulabschluss zu machen; und Martin, der große Probleme mit Vertrauen hat und lieber auf Distanz zu seinen Mitmenschen bleibt. Und dann ist da noch Olayinka, der erst vor kurzem als Kriegswaise aus Nigeria nach Deutschland kam.
Choreograph Royston Maldoom und Sir Simon Rattle, der musikalische Leiter, teilen viele Erfahrungen der Jugendlichen. Für sie war die Entdeckung der Musik und der Künste ein entscheidender Punkt auf der Suche nach Zugehörigkeit und Selbstbestimmtheit. Dieses heilende Moment der Musik wollen sie an die Gruppe weiter vermitteln. 2005 erhielt “Rhythm Is It!” den Deutschen Filmpreis für den besten Dokumentarfilm.

Márias Leben wird von Zahlen, Regeln und immer gleichen Verhaltensmustern bestimmt. An ihrem Arbeitsplatz, einem Schlachthaus in Budapest, isoliert sie sich beim Mittagessen bewusst von den Kolleg:innen. Auch Endre, Márias Vorgesetzter, hat Schwierigkeiten, sich anderen Menschen gegenüber zu öffnen. Als die beiden ihre Gemeinsamkeiten erkennen, kommen sie sich vorsichtig näher und erkennen schnell, dass sie wie für einander geschaffen zu sein scheinen. Eine tiefe Seelenverwandtschaft verbindet Endre und Mária, die nachts sogar die gleichen Träume haben.
„Zärtlich, aber auch mit hintergründigem Humor erzählt Ildikó Enyedi von der Begegnung zweier Menschen, die zunächst jeder für sich und dann miteinander die Welt der Gefühle und des körperlichen Begehrens entdecken.” (Gewinner des Goldenen Bären der Berlinale 2017)

Jean René und Angélique wären wie füreinander geschaffen, doch sie wissen nichts voneinander. Beide haben eine innige Leidenschaft für Schokolade, beide leiden heimlich an Formen von Hypersensibilität. Pralinenexpertin Angéliques ist so schüchtern, dass sie manchmal einfach in Ohnmacht fällt. Nun sucht sie Hilfe bei einer Selbsthilfegruppe namens „Anonyme Romantiker“. Jean René dagegen - Schokoladenfabrikant in langer Familientradition - gerät in sozialen Situationen schnell in Panik. Um damit nicht weiterhin seine Kund*innen zu verunsichern, versucht er es mit einer Therapie. Als die beiden aufeinander treffen, funkt es sogleich. Doch wie sollen sie sich unter den gegebenen Umständen näher kommen?
Regisseur Jean-Pierre Améris wurde als selbst hoch emotionale Person und durch seine Erfahrungen mit Selbsthilfegruppen zur Handlung inspiriert.

USA, 1962: die stumme Elisa Esposito arbeitet während des Kalten Krieges als Putzfrau in einem Hochsicherheitslabor, als sie eine unglaubliche Entdeckung macht. Colonel Strickland hält dort ein mysteriöses Wasserwesen gefangen, um es unter strengen Geheimhaltungsregeln zu erforschen. Die gewalttätigen Experimente sollen den amerikanischen Wissenschaftlern unter anderem dabei helfen, das Rennen um die Mondlandung zu gewinnen. Bereits bei ihrer ersten Begegnung fühlt sich Elisa zu dem seltsamen Amphibienmann hingezogen und fängt an ihn regelmäßig heimlich zu besuchen. Schnell kommen die beiden sich näher und Elisa fasst einen folgenreichen Entschluss: Sie will ihn aus dem Labor befreien. Gemeinsam mit ihrem Nachbarn Giles gelingt es Elisa, dem Amphibienmann zur Flucht zu verhelfen. Doch das Militär ist ihnen dicht auf den Fersen.
Gewinner des Goldenen Löwen / Filmfestival Venedig; 2 Golden Globes u.a. beste Regie.

Welche Vorstellungen von Intimität prägen unser Zusammensein? Welche Rolle spielt körperliche Nähe dabei? Ohne zu werten begleitet »Touch Me Not« drei Personen bei der Auseinandersetzung mit ihrer eigenen Sexualität. Bestehende Perspektiven werden hinterfragt, körperliche Tabus gebrochen und neue Sichtweisen von Nähe und Intimität eröffnet. Fiktion und Realität verweben sich durchgehend. Neben klassischen Interviewsituationen, zeigt der Film seine Protagonist*innen auch bei Workshops zur Körperwahrnehmung, mit Callboys und in BDSM-Swingerclubs. Im Fokus stehen hier immer die Sehnsucht nach körperlicher Nähe sowie die Unfähigkeit dazu. »Selten hat ein mit dem Goldenen Bären auf der Berlinale ausgezeichnetes Werk derart emotionale und kontroverse Reaktionen hervorgerufen.«

Wenn uns alles genommen wird, was bleibt uns dann noch? Filmemacherin Evelyn Schels porträtiert vier Künstlerinnen, die ihren Körper als Werkzeug ins Zentrum ihres Schaffens stellen. Sei es Marina Abramovićs extreme Performances, Sigalit Landaus` Installationen, Katharina Sieverdings Fotographien oder die Film- und Fotokunst von Shirin Neshat. Sie alle zeigen auf unterschiedliche Art und Weise, wie die Themen Körper, Politik, Gesellschaft und Kunst miteinander verwoben sind. Alle vier Künstlerinnen wurden durch ihre persönlichen Erfahrungen mit Krieg, Gewalt und staatlicher Repression politisiert. Bis heute sind diese biographischen Einflüsse in ihrer Kunst sichtbar.