Eric Rohmers Film ist der sechste und letzte Teil seines Zyklus »Komödien und Sprichwörter«. Der vorangestellte Sinnspruch „Die Freunde meiner Freunde sind meine Freunde“ bildet die Keimzelle einer Komödie über das Tabu, sich Partner:innen von Freund:innen romantisch anzunähern. Die junge Blanche lebt alleinstehend, und lernt zunächst das ungleiche Paar Léa und Fabien sowie Alexandre und seine lose Partnerin Adrienne kennen. Der Film dokumentiert auf humorvolle Weise, wie sich diese scheinbar feste Beziehungsaufstellung innerhalb weniger Tage auflöst und neu zusammengesetzt wird. Die moderne Pariser Trabantenstadt Cergy-Pointoise bildet den idealen bildlichen Rahmen, in dem das Alltagsleben junger Berufstätiger gegen Ende der 80er-Jahre leichtfüßig und natürlich in Szene gesetzt wird.

Tommy Lee-Jones Neo-Western beginnt damit, dass der überambitionierte Grenzschutzpolizist Mike fälschlicherweise den illegal eingewanderten Farmarbeiter Melquiades erschießt und seine Leiche in der Sonne liegen lässt. Da der Sheriff kein Interesse an der Aufklärung des Tathergangs hat, entführt Melquiades bester Freund Pete Mike und zwingt ihn, die Leiche zu exhumieren und Melquiades in seinem Heimatdorf Jiménez zu beerdigen.  
Was wie ein Rachethriller beginnt, entwickelt sich zu einem melancholischen  
Mosaik der US-mexikanischen Grenze und legt die Emphase auf Trauer, Vergebung und Respekt. Die Läuterung eines Täters durch die zerklüfteten, texanischen Landschaften wird neben den exzellenten Darsteller:innen vor allem durch klare, großformatige Bilder und die aufwendig komponierte Klangkulisse getragen.

Dr. Karl Rothe erinnert 1951 in einem Umsiedellager an die Tragödie, die ihn dorthin gebracht hat. Der Serumforscher erfährt, dass seine Verlobte Inge die Ergebnisse seiner als „kriegswichtig“ geltenden Arbeit für die Alliierten ausspioniert und noch obendrein eine Affäre mit seinem Freund und Kollegen Hösch hat. Im Affekt ermordet Rothe seine Verlobte, will sich aber schuldbewusst dem Gericht stellen. Da der Staat ihn vor einer Verurteilung schützt, stürzt Rothe in eine tiefe geistige Isolation und verliert mit seinen Freunden auch sich selbst.  
 Peter Lorres einzige Regiearbeit importiert die düstere Atmosphäre, die erzählerischen Kniffe und die existenzielle Drastik amerikanischer Film-Noirs in die Trümmerjahre Nachkriegsdeutschlands, um die psychologischen und sozialen Verwerfungen der NS-Zeit auf eindringlichste Weise anzuklagen.  

„Der Krebs kriegt mich nicht, wenn ich mich zuerst kriege“: Die ehemalige Kriegsfotografin Martha beschließt zu sterben. Unheilbar an Gebärmutterkrebs erkrankt, will sie die Chemotherapie abbrechen und ihrem Leben zu einem selbstgewählten Zeitpunkt ein Ende setzen. Helfen soll ihr dabei ihre langjährige Freundin Ingrid, eine Schriftstellerin, obwohl sie sich seit Jahren nicht mehr gesehen haben. Ingrid besucht Martha im Krankenhaus. Die beiden begegnen sich noch einmal neu und nehmen ihre Gespräche von einst über das Leben und den Tod wieder auf. Gemeinsam mit Ingrid will Martha ihre letzten Wochen in einem Ferienhaus verbringen, das in einem Naturschutzgebiet rund zwei Stunden von Manhattan entfernt liegt. Und sich dann dort mit einer Tablette, beschafft im Darknet, umzubringen. Spontan, ohne vorher festgesetzten Zeitpunkt. Wenn es so weit ist, soll Ingrid das an der geschlossenen Tür von Marthas Zimmers erkennen. 
Die Filmmusik stammt von Alberto Iglesias, der im Jahr 2011 in der Stadt war den 13. Bremer Filmpreis erhielt. 

Wieder einmal ruft der kleinkriminelle Nicky seinen ebenfalls kleinkriminellen Kindheitsfreund Mikey an, wieder einmal nur, damit der ihm aus der Patsche hilft. Wie immer steht Mikey seinem paranoiden Freund bei; diesmal soll er ihm zur Flucht vor einem Gangsterboss verhelfen, dem Nicky eine Menge Geld gestohlen hat. Als sich andeutet, dass Mikey seinem Freund nicht aus reiner Nächstenliebe hilft, kippt das anfänglich schrullige Buddy-Movie in ein dramatisches Register und erzählt von Intimität, Verrat, Schuld,  
Beim Dreh ließ Elaine May ihre beiden Hauptdarsteller auf ihrem Dauerlauf durch eine kalte, New Yorker Winternacht lange improvisieren, um so die unnachahmliche Chemie des auch hinter der Kamera befreundeten Paars für die Leinwand zu übertragen. Trotz des Charismas erzählt May ihre Dynamik erstaunlich distanziert, wodurch die Kollateralschäden einer dysfunktionalen Männerfreundschaft nie aus dem Blick geraten. (Text: Universität Bremen)

Agnès Vardas programmatischer Frauenfreundschaftsfilm beginnt 1962 und endet 15 Jahre später – in dem turbulenten Zeitraum lernen sich die 17-jährigen Pauline und Suzanne kennen. Vor dem zeitgeschichtlichen Hintergrund feministischer Kämpfe für Gleichberechtigung, Emanzipation und körperliche Selbstbestimmung zeigt der Film, wie sich Pauline und Suzanne als autonome Persönlichkeiten verbinden und gegen die Enttäuschungen und Erwartungen eine männlich-geprägten Welt verbünden.  
Das feministische Quasi-Musical begegnet den gegensätzlichen Protagonistinnen mit großer Wärme. Auf der Gestaltungsebene lässt Varda ihre typische, experimentierfreudige Handschrift immer wieder mit einem naturalistischen Stil zusammentreffen, der für französische Filme dieser Zeit typisch war. Jedoch bleibt das Kraftfeld der Freundschaft ist der zentrale Ort, an dem weitere Ideen miteinander kollidieren: Im Film treffen die 60er auf 70er, lautstarker Feminismus auf versöhnlichen Liberalismus sowie Häuslichkeit auf das freie, ungebundene Leben auf der Straße. (Text: Universität Bremen) 

Regisseurin Rand Beiruty begleitet das Leben von sieben migrantischen jungen Frauen auf ihrem Weg zum Erwachsenwerden, 55 km von Berlin entfernt in Eberswalde, einer ostdeutschen Provinzstadt. Als Neuankömmlinge in der Stadt müssen die Mädchen nicht nur die typischen Herausforderungen des Teenagerlebens meistern wie Freundschaften, Schule und Selbstfindung, sondern sich auch an eine neue Kultur und Umgebung gewöhnen und sich mit den Nuancen ihrer Identität als Einwanderer und Flüchtlinge auseinandersetzen.  
Ihre Erfahrungen mit Vertreibung, der kulturellen Anpassung und dem Assimilationsdruck machen ihre Erzählungen vielschichtiger. Parallel zu ihrem Alltag leitet die Regisseurin Workshops, in denen die Mädchen ihre Hoffnungen, Träume und Ängste durch Schreiben, Musik und Schauspiel erforschen und anschließend Szenen schreiben, die sie vor der Kamera darstellen. Diese Szenen werden in Traumsequenzen umgewandelt, in denen sich die Mädchen die Zukunft vorstellen, um ihre schmerzhaften Erfahrungen zu verarbeiten und sie spielerisch in Zukunftsperspektiven umzuwandeln. (Text: Universität Bremen) 

Eines Tages als Bruno, Reparateur von Kinoprojektoren, mit seinem alten Möbelwagen durch die BRD fährt, liest er den gestrandeten Robert auf, der sich unlängst mit einem VW Käfer in die Elbe stürzen wollte, nachdem er sich tags zuvor von seiner Frau getrennt hat. Ihre Reise auf wenig befahrenen Landstraßen entlang der deutsch-deutschen Grenze nach Süden ist geprägt von Sprachlosigkeit, gescheiterten Beziehungen, Einsamkeit und das Kino. Statt einem komponierten Drehbuch, strukturiert die Reise durch Kleinstädte, in denen es noch Lichtspieltheater gibt, und die zentrale Männerfreundschaft den Lauf des Films. 

Matthew, ein junger Amerikaner, kommt im revolutionären Sommer 1968 nach Paris und lernt auf einer Demonstration für Henri Langlois, der kürzlich aus der Cinémathèque Française entlassen wurde, das Zwillingspaar Isabelle und Theo kennen und zieht kurzerhand in deren Altbauwohnung. Im Tumult des revolutionären Sommers von `68 wird neben dem großbürgerlich eingerichteten Appartement auch die Filmgeschichte zur Insel der Freundschaft, die sowohl vom politischen Geschehen als auch von der Möglichkeit der Liebe strapaziert wird. 
Über Bertoluccis nostalgischer, selbstkritischer und voyeuristischer Blick zurück auf die Zeit, in der das Kino noch ‚groß‘ war, lässt sich auch nach über zwei Jahrzehnten kontrovers diskutieren. Film und Kino sind hier nichts weniger Katalysatoren für Freundschaft, Liebe und Politisierung, wenn nicht gar ihr Ausgangspunkt. 

Eine Berufsfeindschaft im Rotlichtmilieu und eine Leiche im Kofferraum sorgen dafür, dass sich Jack und Zack zwischen Gitterstäben kennenlernen. Sie kommen mehr schlecht als recht miteinander aus. Die Stimmung in der Zelle wird den durch den neuen, nervtötenden Dauerredner und „Poolshark“ Roberto zunächst noch gereizter. Allerdings erweist sich Roberto als so temperamentvoll und zugewandt, dass aus den ungleichen Drei schnell eine warme Schicksalsgemeinschaft wird, die sich nach der Freiheit sehnt. 
Regisseur Jim Jarmusch und Kameramann Robby Müller setzen das Trio stets gemeinsam im Bild, wohlwissend, dass der Film von ihrer unnachahmlichen Dynamik lebt. 

Im Klassenzimmer droht ein autoritärer Lehrer Ahmeds Freund Mohamed mit dem Schulverweis, weil er wiederholt seine Hausaufgaben auf lose Zettel, und nicht wie vorgesehen in sein Hausaufgabenheft geschrieben hat. Nach der Schule stellt Ahmed mit Erschrecken fest, dass er das Heft seines Freundes eingesteckt hat und beschließt eigenhändig, das Haus seines Freundes ausfindig zu machen. 
Ahmeds Weg durch die Dörfer und Landschaften um das iranische Koker erzählt täuschend simpel davon, wie weit wir für einen Freund gehen würden. Der Film versteht Freundschaft als etwas, das uns dazu bewegt, das richtige zu tun – ungeachtet davon, wie diese Freundschaft filmisch ausbuchstabiert wird. Kiarostamis Kinderfiguren verstehen das – die Erwachsenen, die Ahmed von seinem Weg abbringen wollen, eher weniger.