Die Kamera bleibt zumeist auf Augenhöhe der Kinder (die sie meist völlig zu vergessen scheinen), ihre Gesichter füllen in zahllosen Großaufnahmen die Leinwand zur Gänze aus, überlebensgroße Persönlichkeiten. Später bekommen die Kinder selbst Smartphones zum Filmen in die Hände, Beckermann gibt ihnen den Crashkurs: Querformat bitte, und wenn möglich ohne Finger auf der Linse. Von da an ist auch das von den Kindern selbst gefilmte Material in Favoriten verwoben: Sie filmen sich gegenseitig in ihrer Freizeit, nehmen kleine Tagebuchsequenzen auf oder stellen sich die ganz großen Fragen: Was möchtest du später werden? Willst du irgendwann heiraten? Die Antworten darauf sind so unterhaltsam wie verblüffend. … „Favoriten“ funktioniert genauso gut als Füllhorn mit Denkanstößen, von dem sich ein durchschnittliches Festival-Publikum ebenso inspirieren lassen sollte wie die Politik. Und jede Menge Spaß macht er dabei auch noch. (Katrin Doerksen, www.kino-zeit.de)

In den emotionalen Momenten ist Ruth Beckermann den Kindern ganz nah. Ohnehin ist es erstaunlich, wie unsichtbar das Filmteam im Klassenraum zu sein scheint, wie groß die physische Nähe ist, die die jungen Protagonist*innen erlauben, ohne dabei an Natürlichkeit zu verlieren.
Die Regisseurin hat ein Anliegen mit diesem Film. Daran ist erst einmal nichts auszusetzen, steht doch die Abbildung oder Untersuchung eines gesellschaftlichen Missstands oft am Anfang eines dokumentarischen Filmprojekts. Im Kontext dieses konkreten Films „Favoriten“ bleibt aber die Frage bestehen, ob er nicht in der adultistischen Haltung gegenüber den Kindern jenes Problem reproduziert, das er eigentlich kritisieren möchte. (Sophie Charlotte Rieger, www.filmloewin.de)

Mit „Favoriten“ wechselt Beckermann nun erneut das künstlerische Register. Und das ist das Andererseits dieser Arbeit – dass leicht aussieht, was in Wirklichkeit schwer herzustellen ist. Angefangen bei den Drehbedingungen im engen Klassenzimmer, in dem die Kamera von Johannes Hammel sich nicht frei bewegen kann und ebenso wie die Tonangel von Andreas Hamza schnell reagieren muss auf die schwer kalkulierbaren Interaktionen von Lehrerin und Kindern.
Der Film hat sich für viele Nahaufnahmen entschieden, die, trotz ihrer Spielfilmhaftigkeit, die Erzählung nicht übermäßig personalisieren. Beckermanns Schulfilm ist von einer klugen Zurückhaltung geprägt, weil er sich für die Klasse (und damit die Schule und die Gesellschaft) als Ganzes interessiert. (Matthias Dell, www.zeit.de)

... eine bildgewaltige Parabel über Anstand und Moral, Gut und Böse in Zeiten extremer Bedrängnis und Not. Dabei hat sich Meirelles (City of God, Der ewige Gärtner) beileibe kein leichtes Sujet ausgesucht, denn Saramagos textmächtige und vielschichtige Vorlage steht … einer Verfilmung äußerst widerspenstig entgegen, da sie ja gerade die Essenz des Kinos – das Sehen – negiert. Trotzdem: Die Verfilmung kann durchaus – wenngleich mit manchen Abstrichen – als teilweise gelungenes Experiment gewertet werden, das die Erzählhaltung und die Implikationen Saramagos in vielen Momenten in stimmige, atmosphärisch dichte und beängstigende Bilder umsetzt und noch lange nach dem Verlassen des wohltuend dunklen Kinosaals in die gleißende Helle der Außenwelt nachwirkt. (Joachim Kurz, www.kino-zeit.de) 

Der Mensch als des Menschen Untergang. Ein Film über die Abgründe menschlicher Existenz. Allein die überzeugende Darstellung der Blindheit Hunderter Leute ist eine herausragende Meisterleistung. Der gesamte Film spielt mit dem Sichtbaren und besticht mit einer Ästhetik, die deutliche Elemente dieser Krankheit aufweist. Die niedrige Farbintensität sowie der hohe Kontrast in den Bildern vermitteln die Bedrückung und persönliche Betroffenheit der Personen. Die Horrorvision einer labilen Gesellschaft am Rande des Aussterbens ist perfekt: erschütternd, fesselnd, großartig und am Ende überraschend. FBW-Prädikat: besonders wertvoll, www.fbw-filmbewertung.de)

Qurbani hat die erzählerischen Eckpfeiler des Romans weitgehend so belassen wie bei Döblin, sie aber komplett umgedeutet. Hier ist es nicht einfach ein Kleinkrimineller, der erfolglos „ein guter Mensch werden“ möchte, sondern ein Migrant ohne Pass, der sich mit all den Schwierigkeiten konfrontiert sieht, die ein Illegaler in Deutschland bewältigen muss: an gültige Papiere kommen, angemessene Arbeit finden, sozial akzeptiert werden. Letzteres gelingt diesem Francis in der Berliner Nachtwelt, etwa bei der Barbetreiberin Eva (Annabelle Mandeng), deren Familie aus Nigeria stammt und die sich mit ihm nicht allein über die gemeinsame Liebe zum Afrobeat von Fela Kuti austauscht, sondern ihn auch mit den Unterscheidungen zwischen Weiß und Nichtweiß aus Sicht einer nichtweißen Deutschen vertraut macht. Zudem lebt Eva zusammen mit Berta (Nils Verkooijen), die sich selbst als „Transe“ bezeichnet. Diese Aktualisierungen integriert Qurbani, ohne den didaktischen Zeigefinger zu schwingen, in seinen Film. (Tim Caspar Boehme, www.taz.de)

Es ist ein großer Triumph, dass „She Said“ den Täter, dessen über allem schwebende Omnipräsenz eine Unvermeidlichkeit darstellt, nur ein einziges Mal, und zwar in einer Halbnahen von hinten, im Bild erscheinen lässt. Denn hier stehen die Frauen, ihre Namen, Aktionen und Gesichter im Zentrum. Hier geht es um die Frauen, die sich wehren und die sich untereinander verbünden und auch mit ihren männlichen Allies – wesentlich beteiligt ist etwa Chefredakteur Dean Baquet, der dem System Weinstein genauso vehement den Kampf ansagt – am Fall des Systems arbeiten.
(Bianca Jasmina Rauch, www.filmloewin.de)

Wer die Regiearbeiten von Maria Schrader kennt, kommt nicht umhin, ihrer Fähigkeit höchste Anerkennung zu zollen, sich und ihre Filmsprache von Film zu Film und dem jeweiligen Thema und Inhalt angemessen gegebenenfalls neu zu erfinden. Waren es bei ihrem vorherigen Spielfilm ICH BIN DEIN MENSCH noch vorwiegend exzentrische und überaus artifizielle Tableaus, mit denen die Regisseurin arbeitete, so arbeitet sie hier viel enger an der Gegenwart orientiert, zeigt den mitunter mühsamen Weg der Recherchen, der Holz- und Irrwege, der Redaktionssitzungen und Einschüchterungsversuche, die ein diffuses Gefühl der allgegenwärtigen Bedrohung erzeugen, zugleich aber vieles im Ungefähren belassen und so einen wirkungsvollen Spannungsbogen erzeugen.
(FBW-Prädikat: Besonders wertvoll)

Der Realität einer journalistischen Investigation mit all ihren Details, die man der Wirklichkeit einzeln aus der Nase ziehen muss, kommt dieser Film so nahe wie vor ihm nur "Die Unbestechlichen / All the President's Men" von Alan J. Pakula aus dem Jahr 1976 (…). „She Said“ zeigt dieselbe Zähigkeit, dieselbe Besessenheit noch für die kleinsten Details, die helfen sollen, ein riesiges, lange nur erahntes Verbrechen aufzudecken. (Tobias Kniebe, www.sueddeutsche.de)

Nur wenige Meisterwerke des Kinos haben die Entwicklung der Filmsprache so nachhaltig beeinflusst wie Orson Welles' legendäres Regiedebüt „Citizen Kane“. Vor allem drei formale Aspekte erwiesen sich dabei als wegweisend für das moderne Kino: So brach der Film mit der Hollywood-Tradition des linearen Erzählens, indem er den Weg des Protagonisten vom jungen Idealisten zum skrupellosen Machtmenschen aus der Sicht verschiedener Wegbegleiter in langen, sich teils widersprechenden Rückblenden zeigte. Ebenso wie die multiperspektivische und elliptische Erzählstruktur sorgte auch die Kameraarbeit Gregg Tolands für Aufsehen: Seine geschickte Anwendung der Tiefenschärfe machten Gegenschüsse und Zwischenschnitte weitgehend überflüssig. Aber auch Tolands expressive, an deutsche Stummfilme erinnernde Licht-und-Schatten-Fotografie fand viel Beachtung. Sie gilt als stilbildend für den Film noir der 1940er-Jahre. (Bundeszentrale für politische Bildung)

Um Hearsts Anti-PR-Kampagne ranken sich Mythen. Dazu passt, dass Citizen Kane an den Kinokassen bekanntlich zum Flop gerät. Bei der anschließenden Oscar-Verleihung speist ihn die Academy nach neun Nominierungen im Vorfeld mit dem Goldjungen für das beste Drehbuch ab. Das einstige Wunderkind Welles bleibt ein unvollendetes Genie. Ein Teil dieses Misserfolgs ist auf Hearst „Bemühungen“ zurückzuführen. Man darf allerdings nicht vergessen: Als Film ist Citizen Kane seiner Zeit voraus – das zeitgenössische Publikum kann mit der unsympathischen Hauptfigur und dem insgesamt eigenwilligen Beitrag wenig anfangen. Das Prädikat „Meisterwerk“ verdient sich der Film erst im Laufe der Jahre. (Patrick Torma, www.journalistenfilme.de)